[디자인 기초] 디자인에서 아트의 10가지 원칙

Design News/Design Trend

by 김현욱 a.k.a. 마루 2022. 6. 28. 13:03

시각 아티스트는 창작 작업을 위해 예술의 원리와 그 요소를 사용합니다. 이러한 시각적 디자인 요소는 또한 아트를 이해하고 가치를 부여하는 데 도움이 됩니다. 그렇다면 디자인에서 아트의 원리는 어떻게 정의할 수 있을까요? 서로 다른 시각적 요소들이 어떻게 배치되어 있고 그것이 아티스트와 보는 사람의 눈에 전체 아트에 미치는 영향을 설명하는 기준이라고 할 수 있습니다.

아티스트는 항상 이러한 요소를 다르게 사용하며, 이는 각 작품들을 차별화하는 핵심 요소입니다. 그들은 또한 시간에 따라 변할 수 있습니다. 예를 들어, 빈센트 반 고흐(Vincent van Gogh)와 피카소(Picasso)와 같은 상징적인 현대 예술가와 과거의 위대한 작가들은 종종 이러한 도구나 원칙을 다른 방식으로 사용했지만 여전히 놀라운 결과를 얻었습니다.

아트에 대한 이해도를 높이고 예술을 더 잘 감상할 수 있는 다양한 디자인 이벤트가 전 세계에서 개최됩니다. 원칙을 이해하는 것은 이 여정의 중요한 첫 단계입니다. 아트의 요소와 디자인의 원리를 이해하면 위대한 창작자들의 작품과 삶에 대한 통찰력도 얻을 수 있습니다.

디자인의 기본 원리

리듬, 패턴, 단일성, 다양성, 디자인, 균형, 대비, 초점, 비율 및 스케일은 가장 중요한 아트 디자인 요소입니다. 더 자세히 살펴보겠습니다.

중요성(Emphasis)

계층(hierarchy) 또는 지배(dominance)라고도 불리는 이것은 작가가 작품에서 관객이 집중하기를 바라는 요소를 의미합니다. 결과적으로 우리의 눈이 가장 먼저 닿는 요소입니다. 그림의 핵심부분이 무엇인지 스스로에게 물어봤을 때, 둘 이상이면 일반적으로 중요도 계층이 있습니다. 아티스트는 종종 대비를 통해 이것을 달성합니다. 원하는 결과를 얻기 위해 색상, 비율 및 공간도 사용됩니다.

균형(Balance)

균형의 원칙은 장면에서 피사체의 배열과 모든 것이 분산되는 방식을 나타냅니다. 때로는 이것을 '시각적 가중치(visual weighting)'라고 합니다. 종종 작품 내 무게는 균형을 이루며 이는 공간과 어울립니다. 균형은 좋은 구성을 만드는 데 사용됩니다.

그러나 다음과 같은 다양한 유형의 균형이 있을 수 있음을 기억하는 것이 중요합니다.

대칭 균형(Symmetrical balance) - 여기에서 양쪽 측면이 동일한 요소를 가지고 있어 거울 이미지처럼 보입니다.
비대칭 균형(Asymmetrical balance) - 요소의 대비가 구성을 균형 있게 만듭니다.
급진적 대칭(Radical symmetry) – 이 작품에는 중심점이 있을 것이고 요소들은 이것으로부터 균등하게 이격될 것입니다.

정렬(Alignment)

정렬은 테두리의 가장자리를 기준으로 다양한 디자인 요소나 아이템이 어떻게 배열되는지를 의미합니다. 캔버스의 다양한 가장자리와 관련된 텍스트 및 그래픽의 라이닝을 의미할 수 있습니다.

각 디자인 요소는 크기, 색상 값 또는 질감에 따라 다를 수 있는 고유한 가중치를 가질 수 있습니다.

비율(Proportion)

이것은 또한 주요 아트 디자인 요소 중 하나입니다. 비율은 물체의 무게와 크기, 그리고 그것들이 서로 어떻게 관련되어 있는지를 나타냅니다. 그들은 또한 관점과 깊이를 보여줍니다. 비율은 일러스트레이션을 사실적이고 사실적으로 만들기 때문에 매우 중요합니다. 그러나 만화가에게 항상 그런 것은 아닙니다. 그들은 종종 작품에 추가 스타일 요소를 추가합니다. 비율이 이상할수록 현실감이 떨어지겠지만 이것이 작품을 매력적으로 만든다.

대비(Contrast)

대비는 요소 구성에서 중요한 역할을 합니다. 상반된 요소를 사용하여 초점과 다양성을 연출합니다. 질감, 모양, 색상 또는 기타 사물의 사용을 통해 할 수 있습니다.

항상 낮은 대비와 높은 대비가 있습니다.

고대비(High contrast) – 피사체가 녹색과 빨간색 또는 거칠고 부드러운 질감과 같이 거의 또는 완전히 반대인 경우.
낮은 대비(Low contrast) – 피사체가 타원형 및 원 모양과 유사하거나 약간 다른 두 가지 파란색 음영과 같은 경우.

움직임과 리듬(Movement and Rhythm)

이것은 작품을 보는 방식과 관련이 있습니다. 숙련된 아티스트는 시청자의 시선이 이동하는 방식을 결정하는 방식으로 섹션을 만듭니다. 아티스트는 인물의 움직임을 강조하기 위해 액션 라인을 만듭니다. 강과 도로는 또한 리듬과 움직임의 이미지를 묘사할 수 있습니다. 이것이 정말 잘 수행된 많은 디자인 예를 찾을 수 있습니다.

반복(Repetition)

이것은 조각 내에서 동일한 요소를 반복한다는 것을 의미합니다. 이것은 전체 그림에 일관성을 제공합니다. Keith Haring과 MC Escher와 같은 아티스트들은 작품에서 반복을 매우 효과적으로 사용했습니다. 동일한 요소를 계속해서 재사용하는 것을 볼 수 있습니다. 반복은 종종 타일 욕실이나 줄무늬 벽과 같은 패턴을 만듭니다.

브랜드도 자산과 상품에서 반복을 사용하여 자신을 확립합니다. 반복 사용은 소비자의 눈에 회사 이름, 로고, 브랜드 색상을 설정합니다.

여백(White Space)

'네거티브 스페이스'라고도 불리는 이곳은 어떠한 요소도 존재하지 않는 디자인 영역, 즉 빈 공간임을 의미합니다. 초보자 아티스트는 종종 작품 내 여백의 중요성을 깨닫지 못한 채 캔버스를 완전히 채우려고 합니다. 여백은 캔버스를 너무 혼잡하게 만들지 않으면서 디자인이 숨을 쉴 수 있도록 해주기 때문에 매우 중요합니다.

너무 많은 요소의 존재는 눈을 산만하게 할 수 있습니다. 초점이 너무 많으면 보는 사람이 혼란스러워 할 수 있습니다.

패턴(Pattern)

패턴은 예술적 요소 또는 그 조합을 균일한 방식으로 반복하는 것을 말합니다. 반복하면 무엇이든 패턴으로 바꿀 수 있습니다. 격자, 직조 및 나선은 모두 고전적인 패턴입니다.

단일성/다양성(Unity/Variety)

이것 역시 작품을 흥미롭게 보이게 하는 데에도 기여합니다. 이것은 주제를 나란히 배치함으로써 작동합니다. 즉, 다른 물체를 함께 배치하고 대조 효과를 내는 것을 의미합니다. 예를 들어 비구름 옆에 밝고 푸른 하늘을 그릴 수 있습니다. 다양성은 시각적 관심을 만들기 위해 종종 다른 요소와 함께 작동합니다.